RETROSPECTIVA DE NAM JUNE PAIK
El artista visionario que unió el arte, la música, la interpretación y la tecnología de forma innovadora.
El Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) presenta actualmente la exposición exclusiva en EE. UU. De Nam June Paik, una gran retrospectiva del arte radical y experimental de Paik, que se exhibirá desde mayo hasta octubre de 2021, la cual reúne más de 200 de sus obras.
Uno de los primeros artistas verdaderamente globales, Paik (1932 –2006) previó la importancia de los medios de comunicación y las nuevas tecnologías, acuñando la frase ‘superautopista electrónica’ en 1974 para predecir el futuro de la comunicación en la era de Internet. La exposición celebra su práctica multidisciplinaria y colaborativa que abarcó el arte, la música, la interpretación y la tecnología, todo en diálogo con las filosofías y tradiciones de las culturas orientales y occidentales.
Considerado como el “padre del videoarte”, Nam June Paik (1932 – 2006) nació en lo que hoy es Corea del Sur y pasó gran parte de su vida en Japón, Alemania y los Estados Unidos. El artista juguetón y rebelde formado como compositor clásico; buscó expandir radicalmente los parámetros del arte y desafió géneros y disciplinas. Durante su carrera de cinco décadas, trabajó con artistas de vanguardia y estrellas del pop por igual, y creó un videoarte innovador, instalaciones inmersivas, una familia de robots de televisión, transmisiones en vivo, obras de arte participativas y más. Paik fue un visionario verdadero y muchas veces divertido que previó la importancia de los medios de comunicación y la tecnología. «Algún día», dijo en 1965, «los artistas trabajarán con condensadores, resistencias y semiconductores como lo hacen hoy con pinceles, violines y chatarra».
A continuación, encontrará cinco de sus obras que sirven como preámbulo de su carrera, las cuales han sido seleccionadas por el curador de artes mediáticas en (SFMOMA) Rudolf Frieling y la curadora asistente de artes multimedia Andrea Nitsche-Krupp.
1.Capilla Sixtina (1993)
Nam June Paik, Capilla Sixtina, 1993/2021 (vista de la instalación, SFMOMA);
cortesía de Estate of Nam June Paik; © Finca de Nam June Paik; foto: Andria Lo La Capilla Sixtina de Roma se sometió a un proceso de restauración sustancial y ampliamente debatido en la década de 1980. Paik, cuando sea invitado con el artista Hans Haacke a representar a Alemania en 1993 en la Bienal de Venecia, vuelve a imaginar el punto emblemático del Vaticano como era antes de la restauración, el canje de sus referencias bíblicas con estrellas del pop y el uso de más de cuarenta proyectores de vídeo con tecnología de última generación. “Venecia, el sitio histórico de la riqueza excesiva de siglos de comercio global, proporcionó el escenario ideal para la versión actualizada de Paik de la circulación de imágenes y bienes inmateriales en la sociedad contemporánea”, dice Frieling.
Reacondicionada aquí por primera vez, la Capilla Sixtina de Paik consta de imágenes superpuestas y de ritmo rápido que cubren por completo las paredes y el techo de la galería, una de las partes de la arquitectura más subestimadas, según Paik. Con sus imágenes electrónicas y su audio en auge, intercalados con períodos de silencio, la instalación inmersiva contrasta con la experiencia de su homónimo.
“Sus imágenes en movimiento ocupan literalmente todos los rincones del espacio de una manera borrosa, irreverente y provocativa, remezclando y resumiendo toda su carrera artística”, dice Frieling. «Reemplazar los relieves de frescos con imágenes electrónicas de ritmo rápido requiere un esfuerzo de imaginación, pero su versión se refirió a la experiencia real de las imágenes distribuidas a través de los medios de comunicación y la puesta en escena de un espectáculo de entretenimiento».
2. TV Garden (1974–77 / 2002)
Nam June Paik, TV Garden, 1974–77 / 2002 (vista de la instalación, Stedelijk Museum
Amsterdam); Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf; © Finca de Nam June Paik;
foto: Peter Tijhuis Profundamente influenciada por la creencia budista de que todas las cosas son interdependientes, Paik creó TV Garden como un paisaje futurista donde la tecnología se convertiría en una parte integral del mundo natural. En esta pieza, televisores y plantas vivas comparten un hábitat. » TV Garden es una de las obras maestras de Paik», dice Nitsche-Krupp. “Representa una de las grandes fortalezas de Paik: la capacidad de volver a visitar, permutar y recombinar ideas, imágenes y conceptos en un nuevo trabajo generativo”.
Los cuarenta y nueve televisores de la obra muestran el innovador video musical de Paik Global Groove (1973), una colorida mezcla de imágenes y audio de vanguardia, pop y comerciales que conecta culturas y combina fuentes tradicionales y contemporáneas. Con Moonlight Sonata de Beethoven, cánticos del poeta Beat Allen Ginsberg, una actuación de danza nigeriana y anuncios de televisión japoneses, la selección de Paik captura el contenido dispar y a veces abrumador de los medios de comunicación con resultados impredecibles. “A pesar de la gran variedad de contenido y ritmo, no se siente como el abrumador libre para todos que podría esperar”, dice Nitsche-Krupp. “Durante la instalación, el video se reproducía, y se reproducía a todo volumen, sin parar. Siempre me encanta la forma jubilosa y meditativa en que fluye y canta».
3. Merce de Merce de Paik (1975–76 / 1978)
Charles Atlas, Merce Cunningham y Nam June Paik, Merce de Merce de Paik,
Parte 1: Blue Studio: Five Segments, 1975–76 ; fuente: Electronic Arts
Intermix (EAI), Nueva York Merce by Merce by Paik es un vibrante tributo en dos partes a la coreógrafa y bailarina posmoderna Merce Cunningham, una de las muchas amigas y colaboradoras de Paik de muchos años. «Está lleno de amor», dice Nitsche- Krupp. “Pertenece a una categoría más amplia de trabajo dentro de la práctica de Paik dedicado a sus amigos, familiares, y colaboradores, aunque estos descriptores son para él, a menudo indistinguibles.”
La primera parte (1975 – 76) presenta una coreografía ideada por Cunningham específicamente para la cámara de video y manipulada por el artista Charles Atlas, acompañada de un collage de audio fragmentado que incluye las voces de John Cage (socio de Cunningham) y el artista Jasper Johns. En la segunda parte (1978) , Paik y el artista Shigeko Kubota (el compañero de vida de Paik) rinden homenaje al artista Marcel Duchamp junto a Cunningham. Combinado, crea lo que Paik llamó una «danza del tiempo».
«El arte y la escritura de Paik revelan una fascinación por las personas y la forma en que nos relacionamos», dice Nitsche-Krupp. “El tiempo, como eje de la producción artística y de la experiencia vivida, también albergaba su curiosidad. Aquí, busca amigos y artistas que también quedaron paralizados por su naturaleza».
4.TV Chair (1968)
Nam June Paik, TV Chair, 1968; Museo de Arte Moderno de San Francisco,
Fondo Phyllis C. Wattis para; © Finca de Nam June Paik; foto: Benjamin
Blackwell
Paik predijo que las tecnologías de video se integrarían tanto en nuestra vida diaria que se mezclarían con nuestros entornos de vida, tomando la forma de muebles de video y paredes de video. TV Chair juega con esta noción proponiendo un mueble de video absurdo. Aquí, una cámara de circuito cerrado de televisión apunta a una silla con un televisor debajo de su asiento transparente, que muestra la transmisión de video en vivo. Es la obra más reciente de Paik en ingresar a la colección del museo, y una provocadora y humorística.
“La TV Chair aparentemente pide a su espectador que se siente, un movimiento que efectivamente evitaría que miren el televisor montado debajo del asiento”, explica Frieling. “Entonces, ¿la ‘audiencia’ aquí estaría detrás del individuo? ¿Se supone que uno debe interrumpir la imagen en vivo en una pantalla cumpliendo con la solicitud implícita de sentarse? ¿Es una elección lógica mirar o sentarse?».
El gran arte hace preguntas sin dar respuestas definitivas, señala Frieling. “Lejos de ser una cuestión de frustración, hay humor y un momento liberador en la práctica conceptual y Zen-inspirada de Paik,” dice: “el arte siempre estará en el ojo del espectador; lo que vemos es una yuxtaposición absurda, y eso hace que el acto de lucir también sea divertido. «
5. Zen for Film (1964)
Nam June Paik, Zen for Film, 1962–64 (vista de la instalación, SFMOMA);
cortesía de Estate of Nam June Paik; © Finca de Nam June Paik; foto:
Rudolf Frieling ¿Cómo se hace una película sin filmar? Paik se hizo a sí mismo y a sus contemporáneos esta pregunta en 1964, cuando los artistas de vanguardia de todas las disciplinas empujaban radicalmente a cuestionar los límites y fronteras de sus medios elegidos. La solución de Paik llegó en forma de Zen for Film, en el que un líder de película en blanco de 16 mm pasa por un proyector.
El trabajo se ejecuta en un bucle continuo en la galería, aunque Paik presentó por primera vez la película en blanco dentro de un cine. Al hacerlo, animó al espectador a tomar conciencia de los aspectos físicos de la proyección y la experiencia visual: polvo y arañazos en la película, el proyector, la pantalla, uno mismo y otros miembros de la audiencia. Cuando se mostró en el New Cinema Festival de Nueva York en 1965, Paik se paró frente a la proyección, proyectando y mirando su propia sombra.
“Paik incluso recomendó patear la nueva y prístina película en blanco alrededor de un piso sucio y dejar que acumule polvo y rayones al azar para preparar el material para la exhibición”, dice Frieling. “No le gustaba que las cosas fueran demasiado perfectas. De hecho, más tarde afirmó que, ‘Cuando demasiado perfecto, Lieber Gott böse ‘, que se traduce en: «Cuando es demasiado perfecto, querido Dios se enoja”.
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