ENSAMBLE
SUPERCLUSTER
Partiendo de esa diversidad, Ensamble Supercluster se forma a partir de un conjunto de cuerdas en el año 2015. Donde buscan difundir el amplio repertorio de la música de cámara, especialmente de los siglos XX y XXI, así como la obra de compositores mexicanos e improvisación.
Tomando su nombre como símbolo de la diversidad que existe en el universo sonoro. Los superclusters -o supercúmulos- son una gran concentración de galaxias, que pueden llegar a contener cientos de miles de ellas. Laniakea, por ejemplo, es el supercluster al que pertenece la Vía Láctea, donde se encuentra el Sistema Solar y la Tierra.
Janine Jop (violín), Daniel Romo (viola), Paloma Valencia (cello) y Kenji Kishi (contrabajo) se unen y apuestan por la colaboración en proyectos multi, inter y transdisciplinarios, así como presentaciones en espacios o formatos no convencionales para la música de cámara.
¿Cuándo descubren su interés por el arte?
Janine: Yo no estaría segura de un momento exacto en el que diga a partir de ahora; creo que todo fue una cosa que llevó a otra. En mi caso mi mamá es actriz, se dedica al teatro y también ha tenido su trayectoria como gestora cultural, siempre he estado empapada de ello. Acabé en la música por razones que aún no logro entender muy bien, pero creo que la principal razón o influencia que tuve fue mi mamá y naturalmente mi gusto por la música y los sonidos.
Kenji: Como en la Secundaria, aunque también creo que de mi familia contextualmente, hay algunos que se dedican al arte de cierta manera. Mi tía que cantaba y tocaba el chelo o mi mamá que es periodista y siempre está cercana a la literatura. A partir de la secundaria empecé a interesarme más en la música y el cine, que son como mis dos grandes pasiones, que las complemento haciendo música para cine. Y justamente creo que ahí, encontré mi vocación. Comenzar desde banditas de punk hasta estudiar de una manera más formal como el jazz y la música de cámara. Lo que me ha ido llevando, y más en concreto, en el arte sonoro como una alternativa o una manera complementaria de entender el sonido o la música en sí.
¿Cómo se fueron desarrollando hasta lo que hacen hoy?
Janine: Yo empecé de chiquita tomando clases de piano y guitarra. En la Secundaria empecé a cantar en una banda de punk/rock y para el bachillerato empecé a estudiar en el CEDAR José Clemente Orozco. Ahí comencé con mis estudios de violín y seguí cantando un ratito. A los 16 años, entré a la escuela de música de la Universidad de Guadalajara comenzando a formalizar mis estudios, y ya fue cosa de no parar.
Kenji: Conmigo es similar, tomé clases de guitarra y tuve otra bandilla de rock donde tocaba el bajo eléctrico. Posteriormente entré al profesional medio, que ahora es el técnico, en la Escuela de Música de la UdeG a tocar el contrabajo y con la idea de componer canciones.
Además, he aprendido desde lo teórico, los concursos o los talleres; ha sido un proceso variado porque también estudié otra carrera después de eso, Comunicación Pública. Ha sido como diversificar y complementar, estar en estos dos lugares: uno más hacia la gestión y el otro en sí, hacia la creación.
Generalmente, no trabajo con la tecnología puramente, al contrario trato de que sí se note que hay una línea humana en la creación, que haya una persona alguien poniendo eso. KENJI KISHI
¿Cuáles son las herramientas que usan en sus procesos creativos? ¿cuáles son sus favoritas?
Kenji: Yo grabo mucho, mi herramienta como tal es una grabadora Zoom que llevo como 4 ó 5 años trabajando. Me gusta mucho documentar todo, para al escucharlo, ver qué posibilidades hay ahí. Es mi herramienta básica, la grabadora y programas de edición de sonido. Trabajo mucho con Cubase y con Pro Tools, para generar bases y cierto tipo de cosas. Con Reason de Propellerhead trabajo dentro de la síntesis sonora y en lo musical porque es más para músicos, no tanto para artistas sonoros. Además, tecnologías análogas como los instrumentos: el piano, el contrabajo y la guitarra que son los instrumentos que utilizo.
Janine: Yo de lo poco que uso realmente es mi celular. Es como mi forma de mantener o tener ahí mis memorias sonoras y además uso Live Ableton.
¿Cómo es la tecnología es parte integral de su trabajo?
Kenji: Yo estudié un Diplomado en Ingeniería en Sonido y descubrí mayor interés, así como el gusto para la manipulación de la tecnología como parte de mi trabajo, desde una grabación casera hasta la edición y lo que puedas lograr con eso. Realmente, antes no tenía casi nada de interés en la tecnología, inclusive me consideraba muy malo, no había descubierto ese interés en la manipulación de software y a la tecnología como un mediador para el trabajo. Conforme los años, este diplomado y lo que he ido trabajando, he descubierto más el punto para encontrar a la tecnología como parte del discurso. En específico, la cuestión que tiene que ver con el diseño sonoro que se complementa demasiado en la música que hago y en la que trabajo. Por ejemplo: la pieza con Ensamble Supercluster en la Exposición Sensorial, es la primera que directamente es un abordaje electro acústico; es un soporte acústico de músicos tocando en vivo con un programa de sonido que se mezclan para generar el sonido puro.
Antes de eso la tecnología me ha ayudado en la cuestión de mi trabajo en cine, artes escénicas y teatro en específico, muy de la mano del diseño sonoro juntándolo con una parte que es meramente musical. Me permite utilizar diferentes sonidos y manipularlos, además hay una parte muy documental que es lo que abordo en mi trabajo; puedo grabar de lo cotidiano. Por ejemplo: la ciudad, la arquitectura o el espacio público, ese tipo de soportes que al documentarlos puedo generar piezas que tengan una salida meramente electrónica o musical. Generalmente, no trabajo con la tecnología puramente, al contrario trato de que sí se note que hay una línea humana en la creación, que haya una persona alguien poniendo eso.
Janine: Pues en mi caso toda mi educación musical al menos no ha tenido nada que ver con la tecnología. Ya en la Licenciatura en Artes, de la Secretaría de Cultura empecé a tener materias y cursos de programas de edición de sonido y cosas así. Entonces, fue de considerar la posibilidad de expandir mis horizontes que ya como intérprete en el violín no me daban para otro tipo de exploraciones sonoras.
Y dentro del arte sonoro, he realizado algunas piezas en colaboraciones con personas de artes visuales. Ha sido mi manera de introducirme en ese mundo, así de simple y sencillo. Y como una búsqueda o una exploración propia, tal cual de expandir mis posibilidades.
¿Cuál sería su pieza favorita me la podrían describir?
Kenji: Donde me siento más satisfecho, porque uno como siempre no está conforme con todas las piezas, es RS7.5 que grabamos con Ensamble Supercluster. Ahí descubrí un proceso más, me gusta porque llegué a lo que quería como de manera más rápida que en otras exploraciones. Tengo piezas para quinteto de cuerdas que son como dadas más a música popular o cosas así, pero en esta como que encontré la idea y logré aterrizarla más rápido.
En otros proyectos en concreto son tracks o proyectos para teatro, el que se exhibió en la MET, “Ciudades Imposibles”. El trabajo sonoro me gusto porque forma parte de un proceso más largo que es “Nadie escribe el libro que desea escribir” y que también se basa en otro proceso más largo que es “Los encuentros secretos”. Todas ellas tiene que ver con la ciudad en sí, es la manera en la que vivimos en la ciudad, porque más que entender como la pieza como gusto estético, me gusta porque he aprendido mucho en el proceso porque he descubierto como una estética propia y una manera de trabajar muy propia. A partir de estas piezas he encontrado lo que puedo utilizar en otras piezas: la noción del arte sonoro o de los documentales del sonido en mezcla y en conjunción con la idea musical, la pieza y la conjunción de lo escénico a través de lo sonoro, y cómo el documental tiene un gran poder dentro de eso. Es con lo que más satisfecho me siento de mi trabajo.
Janine: Yo también me sumaría a su decisión de decir RS7.5 con el Ensamble Supercluster, que si bien este se coloca más en la música de cámara contemporánea, logra entrar más a este tipo de cosas más relacionadas con la tecnología. Y es muy valioso porque en una ciudad como Guadalajara, no es tan sencillo trazar un camino así en un grupo de 5 personas que vienen de la educación más tradicional. De manera personal que no tiene tanto que ver con el arte sonoro y tecnología, es mi pieza Dominios Sonoros. Comenzó como un recorrido en automóvil para algunas personas, por algunas calles de la ciudad en donde yo tomaba calles con nombres de compositores o interpretes de la historia de la música mexicana. Relacionaba cuestiones autobiográficas con históricas, mismas de cómo se nombran las calles y trataba de relacionar, cruzar esas partes a través de la música; les contaba algo y les ponía algo, desde una pieza de Silvestre Revueltas que es como el compositor de la música mexicana del siglo XX, hasta otros compositores como quien compuso la de Vereda Tropical, que es como música popular con la cual tengo una historia personal por mi abuela. Entonces, esta pieza yo la mencionaría porque es un registro en audio del recorrido, es la audioguía que alguien puede tener y hacer el recorrido a pie.
¿Qué tan importante es tener una comunidad?
Kenji: Existe una comunidad que a diferencia de otras ciudades es muy cercana. Es muy interesante Guadalajara en relación de cuando hablas de otros lugares, porque casi todos vemos el trabajo de los demás, estamos como activos, participamos en los cursos hasta de los mismos amigos o en las obras de los otros. Creo que sí hay comunidad y es muy interesante porque es más que un movimiento. Personalmente, a mi sí me ha servido mucho en mi formación.
Por ejemplo, lo que es Laboratorio Sensorial en el arte sonoro, lo que nosotros organizamos en lo del Ciclo de Música de Cámara que ahora ya tiene otra forma o la Comunidad Teatral que es muy unida para muchas cosas a pesar de sus problemas internos o que tengan diferentes estéticas; todos se dicen y se identifican como de la comunidad tapatía, no veo como una renuencia. Hay una renuencia al ser tapatío, quizás, pero no a la comunidad.
Janine: O a las condiciones para la producción artística en Guadalajara.
Kenji: Que en muchas veces no son las óptimas, pero la otra cosa que veo es que cuando no son las óptimas como en el teatro o inclusive el cine, sí se busca mejorar las condiciones. Hay ciertas particularidades como en las diferentes figuras culturales pero hay la posibilidad de diálogo entre la comunidad, ya luego de sentarse y de que se sigan ciertos lineamientos. Entonces no es gratuito que el trabajo que se hace, como en el Encuentro de Creadores en la Muestra Estatal de Teatro, sea ejemplo a nivel nacional. Además, que a sus organizadores como Olga Gutiérrez, Mauricio Zamora o inclusive Gaby Escatel, los llaman para que vayan y pongan ejemplo en otras muestras nacionales o estatales. Esto habla de que sí hay una posibilidad de diálogo a través de esto, que significa la comunidad.
En la comunidad musical, es muy renuente a participar porque siempre ha llevado un proceso muy ajeno al formar comunidad o sentirse comunidad inclusive. Ahí sí creo que la comunidad musical jalisciense no es tanto que me haya formado, me formaron mis maestros que tienen muchos años creando. Y estoy en esa posición de luchar en contra de eso o estar tratando de dinamitar esos espacio para lograr comunidad, porque esos espacio es justamente los que no generan comunidad.
Janine: Si yo creo que aunque no es una comunidad ni tan pequeña, ni tan grande, aparentemente se puede observar como algo cerrado; los de teatro están por allá, los de música por acá y otros por acá. Creo que siempre ha habido personas con intereses que han permitido crear puentes y redes entre unos y otros. Por ejemplo: Laboratorio Sensorial que hace un puente con nosotros, el Ensamble Supercluster. Y hay más nombres ahí, de por medio, que se pueden repetir. Donde unos pueden invitar a los mismos u otros, y se generan nuevos tipos de proyectos y se retroalimentan de alguna manera.
En la música comparto un poco que este en pañales pero sobre todo en la música académica, porque también creo que para el arte sonoro u otro tipo de expresiones sonoras si se han atrincherado y han sido capaces de crear sus propias plataformas. Como el Laboratorio Sensorial que con apoyos o sin apoyos gubernamentales hacen las cosas o en nuestro caso que estuvimos gestionando un pequeño festival de un Ciclo de Música de Cámara Joven y que también con o sin apoyos se llevaba a cabo. Entonces, ¿qué tienes que hacer? Hacer redes, sino no funciona. Todos tienen que echar la mano y creo que Guadalajara esta en ese punto en el que todavía las cosas son accesibles, todavía se pueden jalar los hilos cerca.
Creo que siempre ha habido personas con intereses que han permitido crear puentes y redes entre unos y otros. JANINE JOP
¿Cuáles son sus artistas mexicanos favoritos?
Kenji: Yo pondría el trabajo que están haciendo Eliminar como un ensamble de música contemporánea; porque más que favoritos, son esos ejemplos que tomas, porque hasta su nombre lo dice: Eliminar. Están como en medio, entre la música formal contemporánea pero de repente se acaban de ir y son parte de una instalación en la Bienal de Venecia. Son agrupaciones que son como una inspiración y que tienen un trabajo muy profesional, además ellos son excelentes músicos. Otros, son el Cuarteto Latinoamericano, el trabajo que han hecho en el diálogo con compositores y que llevan tanto tiempo tocando, a mi me parece muy relevante; eso dentro de los intérpretes.
José White tiene sus idas y venidas, los de RAGA, Ensamble RAGA, también de percusión que tiene otro trabajo interesante de la ciudad de México. Abriendo el espectro, en teatro me gusta lo que hacen Lagartijas Tiradas al Sol que su trabajo me parece muy interesante, en artes plásticas Abraham Cruzvillegas su trabajo es interesante. También,el trabajo de Rubén Ortiz, Nebulosa Luminar y Héctor Burges.
Janine: Tenemos los mismos gustos.
¿Dedican una parte de su tiempo a la enseñanza? ¿qué tan importante es para ustedes compartir el conocimiento?
Janine: Sí, principalmente a dar clases de violín. Desde que tengo 20 años lo hago, en mayor o menor medida y he trabajado tanto con niños como adultos que lo hacen solo por hobby. Ha sido un camino bien interesante porque creo que la que más aprende soy yo y reafirmas el conocimiento propio. Además, si es importante para mí, no lo veo como la profesión o la cosa medular a la que me quiero dedicar, pero tampoco lo veo como algo complementario simplemente lo veo como parte de.
Kenji: En mi caso, a mi me ayuda muchísimo. Me gusta mucho dar muchas clases sobre todo desde lo teórico. Doy una clase de diseño del espacio sonoro para escena y he aprendido un montón porque es una materia que no tienes casi referencias en Guadalajara, ni en México. Hay muy poca literatura en torno eso, al diseño del espacio sonoro en escena, en especifico.
Yo he aprendido porque me obliga a generar un programa que sea congruente y cada semestre que lo he dado cambio alguna parte del programa. Justamente, en lo que he visto de cómo es el proceso para los alumnos o en lo que yo estoy viviendo. Si estuve en una obra en la que me enseño a hacer tal cosa, entonces lo que hago con ellos; es como mostrarles ese camino o darles a conocer ese proceso, para mi es básica la enseñanza sobre todo a nivel teórico.
Janine: Es algo que tenemos como de manera individual pero ya a nivel proyecto con el Ciclo de Música de Cámara Joven que ahora se transformó a una plataforma que se llama “El 3030”, que es de crítica y gestión cultural. En donde hemos realizado talleres que también son de continua formación; tanto como pensar en laboratorios para compositores, talleres de conciencia escénica para músicos o de ecología sonora para niños. Es en lo que trabajamos: el sonido y despertar la curiosidad a otros. ¡Esta chido! En mi caso con las clases de violín, no solo se agota en decirle a alguien cómo tocar o cómo mover los dedos en el violín. ¡Es todo lo demás! Y cómo eso se puede abrir a otro tipo de cosas.
Si el explorar, exploras junto él aunque estas enseñando. Es el reto más grande, el querer enseñar cuando realmente parte de ellos te enseñan.
Janine: Sí, justo es para mí desde la gestión, los talleres o los laboratorios; pensarlos más como un grupo de estudio. A mí se me hacen potenciadores de proyectos futuros y de próximas redes, que es lo que nos ha pasado.
Kenji: Más que enseñar cosas, es como experimentar en conjunto y da más; tú permites una guía con conocimiento y se puede crear algo más grande o mejor. Hay veces que los que toman los talleres o que están en la materia, tienen conocimiento casi nulo pero cuando ya pones ejercicios ves reflejadas ciertas cosas y hasta los propios problemas de tu proceso. A mi me sirve muchísimo porque puedo ver hasta cómo yo me equivoque también en determinadas situaciones, cómo le voy a corregir, viéndolo desde fuera; yo me equivoco mucho más, entonces ya la siguiente vez voy aprendiendo. ¡Esta padre! Porque están los dos lados y puedes ver o admitir cuando te equivocas.
Sí, justo es para mí desde la gestión, los talleres o los laboratorios; pensarlos más como un grupo de estudio. A mí se me hacen potenciadores de proyectos futuros y de próximas redes… JANINE JOP
Arte, ciencia y tecnología comparten la búsqueda o la sistematización para hacer de este mundo algo inteligible para el ser humano. Los tres comparten la misma búsqueda, no hay manera de separarlas. KENJI KISHI
¿Arte, ciencia y tecnología ?¿En cuál te quieres especializar?
Janine: En el arte, pero la ciencia y la tecnología me parecen fundamentales para ella. Creo que son las tres con las tres.
Kenji: Yo he explorado mucho esta cuestión, me interesa mucho esto que tiene que ver con la ciencia sobre todo. Finalmente la pieza RS7.5 se basa en un fenómeno físico que es la resonancia de Schumann. El descubrir estas cuestiones de explorar desde lo científico, me interesa mucho, pero también no puedo como deslindar el arte; creo que están de la mano y soy muy a la idea renacentista, del abordaje de las disciplinas. Y bueno, fue en el renacimiento cuando empezaron a clavarse más en la relación entre ciencia y música. Descubrieron muchas cosas, como los sistemas de notaciones, de cómo generar sistemas y mediciones o como el sonido cobra y la acústica de cierta manera. Y ahora que hablamos de música es el arte que menos se puede deslindar de lo científico porque es un fenómeno físico completamente.
Arte, ciencia y tecnología comparten la búsqueda o la sistematización para hacer de este mundo algo inteligible para el ser humano. Los tres comparten la misma búsqueda, no hay manera de separarlas. Inclusive hablando en concreto de la tecnología como tal, va delimitar y va llevar por qué lado se va el arte. Aunque queramos muchos que se vaya por los puristas, dicen no, los instrumentos acústicos. Ya que el mismo instrumento es una tecnología que ha ido evolucionando. No es lo mismo un violín hecho por un laudero de hoy, que un violín hecho en 1600; va variando. Además, el soporte tecnológico que nos limita o delimita, nos convierte en otra cosa. El hecho, que desde hace aproximadamente 120 años podamos grabar la música, nos convierte en otra cosa cuando tocas y cuando compones. ¡Por más purista que seas y digas! No estoy con mi lapicito y cuaderno nada más; estas con tu noción de las obras, tus referentes son nociones de obras de grabadas y continúa.
¡Y editadas!
Kenji: ¡Exacto editadas! Escuchamos ya todo completamente mediado, la 9a. de Beethoven o una partitura de Bach, con una grabación por más vieja que sea.
¿Que les gustaría realizar pero aún no han podido por limitantes por parte de la tecnología??
Janine: Yo misma soy mi limitante.
Kenji: Mi trabajo en la tecnología, no es de innovación de tecnología y no creo que sea una limitante o que haya encontrado ahorita una limitante en la tecnología. Hay limitantes técnicas pero muy concretas, sobre todo en mi trabajo en el teatro. Me gustaría hacer una obra en 5.1, trabajar una obra con la mezcla en 5.1, pero… ¿Dónde? Es muy caro. Se tiene que conseguir un montón de cosas. Creo que él único que lo ha hecho aquí es Israel, con una de los aeropuertos que trabajó, pero no sé si al final pudieron hacer ese montaje.
Entonces es como ese tipo de cosas, en posibilidades realistas o cuestiones escénicas, donde es muy cara la tecnología y no puedes montarla. He visto montajes donde utilizan micrófonos binaurales y los espectadores escuchan la grabación en binaurales. Sería muy interesante tenerlo en Guadalajara, pero la verdad es que es muy caro y ningún teatro tiene la tecnología. Entonces, tú tienes que proveerla y eso ha sido, más bien mis limitantes en ese sentido. Es cuestión de presupuesto, no dé porque no se haya realizado 0 me haya limitado.
Sí hay que ver todo lo que se pueda, bueno o malo, ya juzgarás tú. Es muy importante estar, ser también nuestro propio público… KENJI KISHI
¿Qué proyectos han estado realizando?
Janine: Tenemos desde el 2010 el Ciclo de Música de Cámara Joven, un pequeño festival pensado como una plataforma para compositores y ensambles jóvenes del país. Y por nuestros mismos intereses se ha expandido y lo abrimos a la plataforma de “El 3030”. Hemos tenido varias actividades como el taller de ecología sonora para niños o el laboratorio de composición que se trabajó en la colonia Del Fresno en colaboración con la plataforma El Mural Fresno.
Y muchos más este año…
¿Cuál sería tu mejor consejo para los talentos o la gente que esté emergiendo, que tienen ustedes un camino más recorrido?
Kenji: Así que como dar consejos no sé, porque siempre estamos en construcción.
Janine: Nosotros también queremos consejos.
Kenji: A mí me parece que entender y ser metódicos con sus procesos, tratar de mantener un record de sus procesos porque así aprendes. Cuando tuviste ciertos errores o ciertas cuestiones que no funcionaron por lo menos lo sabes y lo tienes documentado. Es un consejo para ellos y para nosotros también, ya que hemos estado aprendiendo a documentar y documentar. La otra es generar nodos y redes, ser un nodo para generar redes.
Janine: Sí, no tener miedos a los proyectos colaborativos, porque así se hacen fuerzas y siempre pueden salir cosas mucho más interesantes cuando se proponen en grupo. No quedarse cerrados a una sola cosa, que si te gusta algo también tienes que revisar lo que pasa en otra disciplina, lo que pasa en la otra escena, contactarte con esas personas y hacer redes.
Kenji: Abrir sus estéticas hacia posibilidades. Por ejemplo: en la composición que hay grupos o escuelas muy cerradas. Estos son los más ruidistas, estos son los electrónicos, estos son los súper formales y acá los folcloristas. Entonces ¿esto qué hace? Que al final tienes un grupo aislado haciendo cosas, con otro grupo aislado haciendo cosas; en lugar de sumar y de compartir esos procesos donde aprendieron e intercambiaron puntos de vista. ¡No se interesan!
¡No exploran!
Janine: Y hacer redes de aquí y no dejar de ver lo que está pasando en el resto del mundo porque también eso es importante. Es fácil decir, ya hicimos lo que no había en Guadalajara; no, se trata de ir a más, se trata de los procesos.
Por ejemplo: en las trayectorias artísticas, de no perder como el piso y no perder la inquietud, la curiosidad y el interés. A veces, cuando se empieza a tener cierta trayectoria pasa que podemos empezar a subestimar otro tipo de iniciativas que no conozcamos y creo que eso también es un punto peligroso porque te puede pasar, como a nosotros, cuando buscas generaciones anteriores a nosotros y piensas que ellos no hicieron esto, no se acercan, no se abren y a veces uno hace lo mismo.
Kenji: En ese sentido a un consejo que es muy práctico, que hasta a los alumnos yo les digo, es que vean de todo lo que puedan de arte, consuman todo el arte que puedan todo el tiempo. No sólo en lo suyo, si eres músico no sólo vayas a conciertos, ve a obras de teatro o exposiciones, ve si es arte abstracto o conceptual.
Además, es peligroso y es lo que destruye mucho en la ciudades, que de repente no ven lo que pasa en la siguiente generación. Hay profesores o gente que ya no dan nada, que tienen cinco años sin ir a una exposición o una obra de teatro.
¡Porque creen que ya lo vieron todo!
Kenji: Es como una actitud muy soberbia y no se relacionan. Sí hay que ver todo lo que se pueda; bueno o malo, ya juzgarás tú. Es muy importante estar, ser también nuestro propio público porque nos quejamos un montón del público; es que no van a los conciertos o las obras y le preguntas a la gente hace cuánto no vas al teatro o una exposición, y te contestan como un año. ¿Cómo le exigimos al público lo mismo que nosotros no hacemos? No que no practicamos, que no entendemos, creo que eso es importante.
Finalmente ¿Qué haces cuando no estás haciendo arte?
Janine: ¡Paseando perritos!
Kenji: ¡Paseando perritos y cuidando plantitas! Participamos en muchas cuestiones de actividad política o no políticas, en sí, de discusión política.
Janine: Sí, creemos en la organización ciudadana. Estuvimos en 2012, en nuestra fase de 132. Es raro que lo tome como no arte, pero sí creo que es.
Kenji: Lo político llevado desde eso, hasta cuestiones teóricas o talleres sobre democracia.
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